Alejandro Rubio

Entrevista Sofia Coll: «Tenía muchas ganas de dedicarme al 100% a la música»

Hablamos con Sofia Coll sobre sus últimos singles y todo lo que está por llegar,

La semana pasada nos reunimos vía Skype con Sofia Coll, una cantante, actriz y bailarina catalana dispuesta a arrasar de cara al próximo año. Con la enorme simpatía que la caracteriza, Sofia nos habla de su paso por la primera edición de “La Voz Kids”, sus excelentes últimos proyectos musicales, cómo vivió el rodaje del videoclip de “Millonària” de Rosalía o todo lo que está por llegar.

En 2014 formaste parte de la primera edición de “La Voz Kids” en Telecinco. ¿Cómo fue la experiencia?

Fue muy gratificante. Aprendí mucho de ella. Me dio muchísima confianza en mí misma también, pues hasta aquel momento solo había hecho conciertos por mi barrio. Todo fue muy imprevisible en realidad. Me lo dijo mi mejor amiga y dije: “venga, vale”.

¿La clásica historia de la acompañante?

Sí, te lo juro. Yo no veía “La Voz” ni nada. Todo fue un poco random en realidad. Pero me vino muy bien y sigo en contacto con alguna gente. Me ha sido muy gratificante. Después de esto pisé muchos escenarios y me dio una confianza en mí misma que, sin “La Voz Kids”, quizás me hubiese sido mucho más difícil construir.

¿Y qué esperabas del formato?

La verdad es que no esperaba absolutamente nada porque no sabía muy bien dónde me estaba metiendo (risas). Todo lo que vino, pues fue muy bien. Fue un poco locura porque fue la primera edición de un programa de niños después de Eurovisión Junior y lo vio mucha gente. Fue súper loco.

La audiencia que tuvo esa edición fue muy alta.

Exacto. Y aunque yo no era de las personas que más proyección tuvo, tampoco quise aprovecharme mucho del momento. Tenía 15 años cuando se emitió y 14 cuando lo grabé. Estaba en 3º de ESO y, evidentemente, tenía que acabar mis estudios y formarme. Es así como me han educado en casa, por lo que no creo que fuese mi momento para meterme a hacer música ni nada. Pero sí es cierto que “La Voz Kids” me sirvió mucho porque me permitió hacer muchísimos conciertos. Me aportó muchísimas tablas.

¿Te plantearía presentarte al formato adulto?

Me lo han preguntado mucho y hasta el momento no me lo había planteado. Pienso que se tiene que ir con un objetivo, pues al final es una plataforma que te da difusión. Ahora mismo tampoco me atrae mucho lo idea, pero nunca digas nunca, que nunca se sabe dónde te vas a ver en un futuro (risas). Pero de momento, no me veo.

¿Cómo fue la relación con Malú, tu coach y “casi” Primera Dama?

Pues, nada. Realmente detrás de las cámaras no les ves.

Melani García, ganadora de la cuarta edición de “La Voz Kids”, ha representado a España en el festival de Eurovisión Junior. ¿Te hubiese gustado formar parte de Eurovisión Junior en su momento?

Me hubiera encantado, claro que sí.

Saltamos a 2018, Operación Triunfo. ¿Por qué decides presentarte? ¿También vas de acompañante?

Pues me presenté, a parte de por mis acompañantes que fueron parte influenciable en mi decisión (risas), porque en ese momento tenía canciones compuestas y tal, pero estaba como más perdida. En realidad fue porque me apeteció. Tampoco había seguido mucho OT 2017, por lo que no tenía muchos juicios de lo que iba a ser ni nada. Sí sabía evidentemente qué era Operación Triunfo y demás, pero no tenía demasiada presión. Siempre he estado muy desconectada del mundo de la televisión. Veo los telediarios y poco más. En “Operación Triunfo” vi una oportunidad para conocerme yo también mejor y para formarme sobre todo. Es una plataforma de difusión que, al final, lo que importa es cómo la uses tú. Este año sí es cierto que no me presentado porque no me apetecía. Ya estoy haciendo mis cosas y no era el momento de encerrarme en una casa.

¿Seguiste la edición? ¿Algún favorito?

Sí, la seguí. Famous me encantaba, la verdad. Y ganó, así que estoy muy contenta (risas).

He leído que estás formada en teatro musical en la Escuela Coco Comin. Ahí empieza tu vínculo con Operación Triunfo, pues ella fue jurado y profesora durante las primeras ediciones de Telecinco.

Sí, es cierto. Además, Muntsa Rius también ha sido mi profesora. Capdevila también está en la Coco, ha sido mi profesor y he tocado con él. Y más gente, en realidad.

Has tenido un OT personalizado.

Un poquito (risas).

Damos un salto a tus dos últimos dos singles. El primero de ellos, “Before I Forget What’s Love”, un tema RnB precioso. Cuéntame un poco sobre él.

Empecé a trabajar hace dos años con un chico que se llama Tony Lenz y es quien me está produciendo todos los temas. No recuerdo muy bien cómo surgió esta canción, pero está inspirada en historias que me cuentan mis amigos, momentos chungos míos… Todo nace a raíz de un sentimiento. Me inspiro siempre en una historia que me han contado o que he visto y en mis propios sentimientos. Tampoco te estoy contando nada del otro mundo (risas). “Before I Forget What’s Love” va de una relación tóxica. Yo por suerte nunca he vivido ninguna relación tóxica, pero sí lo he visto en gente que tengo muy cercana. Me sentí muy inspirada en eso. Además, es una canción aparentemente muy bonita pero que habla de algo complicado.

Un envoltorio muy luminoso pero por dentro es completamente oscura.

Exacto. Además, todo el videoclip va también por ahí.

Yo he notado cierta influencia en esa canción con los primeros temas de Alicia Keys, lo de “Songs In A Minor”.

Pues sí. Jorja Smith también me inspira mucho, al igual que Mahalia. Aún así, intento no fijarme mucho en la gente. Yo escucho música de todo tipo y me encanta ponerme playlist de gente que no conozco, playlists súper raras y cosas que voy encontrando. Si me centro mucho en un artista, al final creo que acabas copiando un poco lo que hace esa persona y es algo que no quiero. Intento a la hora de componer no tener referencias claras para que no “ensucien” lo que hago. Quizás hasta me perjudica más a la larga. ¡Esperemos que no! (risas).

A finales de agosto lanzaste “Dance It Up”, también un corte que se mueve entre el RnB, el urbano…

Sí, es un pop un poco raro. No sé bien cómo categorizarlo (risas).

Yo he sido incapaz de categorizarlo. Le he dado muchas escuchas a la canción y no he sido capaz. Decía “ahora es pop, ahora es urbano, ahora es RnB…”

¡Eso es muy guay! (ejecuta un fabuloso movimiento de pelo). Eso es quizás un poco lo que voy buscando también. Hacer música que no se sepa muy bien cómo catalogar. A lo mejor eso significa que por ahí se está encontrando algo interesante.

¿Y cómo surgió “Dance It Up”?

Pues Tony me envió un beat, que incluía la trompeta y tal. Yo estoy muy relacionada con el mundo del baile. Estoy con las escénicas en realidad de toda la vida. Es como una obsesión para mí. Siempre. Siempre. Forever and ever (risas). Ahora estoy en una compañía de hip hop que se llama Scream Drops y ellos me inspiran mucho porque son unos bailarines de puta madre, una gente maravillosa y tienen un arte en el cuerpo que no les cabe. “Dance It Up” es eso: la celebración de la vida y que, aunque vengan malos momentos, pues tienes que “push through”, ¿sabes? Báilalo, cántalo… Y luego ya lo verás desde otro punto de vista, desde otra perspectiva. Tienes que sedimentar. Reposar un poco y luego ya lo juzgarás de otra forma.

A mí me ha encantado todo el concepto del vídeo. Las coreografías, escenarios… Están todos los elementos muy bien utilizados. Yo estoy harto del croma, el set fijo y el cantante con la guitarra. En tu caso, sin haber una gran discográfica detrás, mola el hecho de que esté todo tan currado. ¿Cómo fue el rodaje del vídeo?

No hay nada detrás. Soy yo (NdE: habla de la discográfica). El rodaje fue un poco estresante (risas). Lo rodamos en agosto en dos pueblos abandonados de Tarragona. Fue estresante por el hecho de que teníamos que rodar siempre con luz natural. Empezábamos a rodar a las 5 o 6 de la mañana y luego por la noche otra vez. Era estresante porque éramos muchas personas, hacía mucho calor, después mucho frío… Mucho contraste de todo. Pero al final todo súper bien. Estuvimos todos en una casa haciendo piña. Estoy muy contenta por trabajar con gente que son mis amigos, y que es gente en la que confío y admiro. Creo que eso al final se ve reflejado. Tenemos amor por todo lo que hacemos. Yo admiro lo que hacen, al igual que ellos admiran lo que yo hago. Es un amor recíproco que se agradece millones.

¿Y cuándo se publicará tu nuevo single, “The Way You Make Me Feel”?

No sé fechas todavía. No quiero decir finales o principios, pero por ahí andará. Cumplo años el día 1 de enero, por lo que estaría guay como regalo de cumpleaños.

¿Está el vídeo grabado?

Ahora en diciembre, por eso no sé fecha exacta. Depende del vídeo realmente.

¿Buscas el formato álbum de cara al futuro?

Sí, me gustaría sacar álbum en primavera. No tenemos fecha tampoco, pero estoy trabajando en ello. La canciones que se incluirán en el álbum ya las tengo, tan solo queda acabar de organizar, reordenar… Y sí, mi idea es sacar álbum. Tengo muchas ganas de sacar cosas, que al final siempre se quedan y al final rayas las canciones. Si las compones, al menos que las saques (risas).

¿Tienes canciones como para lanzar directamente un LP o probarás primero con un EP?

Tengo canciones como para sacar álbum. Podría sacar 12 canciones, pero no creo que lo haga. Intuyo que serán unas 8 o así. Pero aún no está cerrado, me tengo que poner a ello estos días. El concierto sí es cierto que lo tengo más cerrado, está definido. Aún así, aunque me gusten las canciones, tengo que ver si musical y conceptualmente funcionan.

Además de cantante, eres bailarina y actriz. Este año te hemos visto como bailarina en el videoclip de “Millonària”. Necesito saber cómo fue ese rodaje.

Pues un poco casualidad. Estoy en una agencia de actores, y esas cosas van por agencia. Me llamaron y ya está (risas). No tiene mucho misterio.

¿Fue divertido?

La verdad es que sí. Rodamos como si fuera un programa en directo. Estuvimos ensayando en plató. Después vino Rosalía una vez, grabamos y ya está (risas). Supongo que buscaban su espontaneidad como si fuera un programa y ella la invitada.

Además, estrenas nueva serie en RTVE, “Bany Compartit”. ¿Qué va a encontrar el espectador?

En “Bany Compartit” somos cuatro chicas que compartimos baño y compartimos casa aquí en Barcelona. (NdE: aquí descubro que bany compartit significa baño compartido en catalán). La gracia es que todo pasa en un baño, el único sitio donde llega la cobertura y la señal WiFi. “Bany Compartit” es una sitcom con situaciones de cotidianidad con cuatro personajes muy diferentes. Mi personaje Alicia es una influencer de 20 años, aunque es un poco más infantil de lo que debería, y ella vive en su propia fantasía. Un mundo de colores donde todo es divino, no siendo consciente de cómo funciona el mundo realmente. Ella es muy espontánea y hace lo que le apetece y cuando le apetece, y luego le cuesta un poco más responsabilizarse de sus acciones y de todo lo que conlleva. Todo esto contrasta mucho con Rosa, que es su amiga de toda la vida, una persona súper mental, mientras que Alicia se mueve más por lo que le dicta el corazón. Rosa necesita tenerlo súper controlado. Ella es súper metódica, estudia ADE, súper limpia, ordenada… Después por otro lado está Manu, que es una chica francesa que no se sabe muy bien de dónde viene. Manu es una loca de la vida, además de ser la mayor de la casa, pues tiene 25 años. Ha vivido mucho y nos manipula un poquito. Como una hermana mayor. No lo hace por maldad, sino porque se lo pasa bien y ya está. Y por último está Greta, que es una chica recién llegada de Lleida y que está un poco perdida en la inmensidad de la ciudad y yo la uso un poco también para mis vídeos… “Bany Compartit” es sobre todo comicidad.

Buena presentación de la serie. Ahora, ¿podrías hacer un balance de cómo ha sido este 2019? Desde luego ha sido bastante movidito.

La verdad es que sí. Estoy súper contenta con 2019. Acabé el grado superior de producción de audiovisuales y espectáculos. A partir de aquí estaba a saco componiendo, cerrando las cosas… Por ejemplo “Before I Forget What’s Love” la había compuesto un año y medio antes de su lanzamiento. Al no haber dinero, las cosas van lentas. Saqué single, me cogieron para la serie, estuve haciendo un montón de bolos, saqué “Lost Myself”, saqué “Prisionera”… Estuve trabajando un montón este verano también. No me ha dado nada el sol. Si ya soy blanca imagínate sin que me toque el sol… Estoy muy pálida este año (risas). Me tengo que comprar fake tanning, porque si no voy a dar miedo (risas). Saqué “Dance It Up” y ahora estoy 100% enfocada en la música, que ya tenía muchas ganas de poder ir a eventos y mil cosas más que, al final, si estas muy marcada por una rutina escolarmente, no puedes hacer; hay unas prioridades que tienes que cumplir. Sí es cierto que sigo dando cursos aquí y allá, dando clases a personas porque hay que sacar dinero de algún lado. Súper agradecida de este 2019. Y lo guay es que cada vez vienen cosas mejores.

Por último, como hacemos con todos nuestros entrevistados, The Rubiew necesita una recomendación de una película, un álbum y una canción.

Oh, mama! Soy súper indecisa. Soy la peor persona a la que podrías haber preguntado esto (risas). ¿Te puedo recomendar una serie mejor?

Venga, te lo compro.

“Shameless”, la americana. Está en Prime Video. Como álbum, “LEMONADE” de Beyoncé. Y una canción, como últimamente estoy escuchando mucho a Angèle, voy a decir “Tout Oublier”. Como película, «Anastasia«.

Sabela brilla con su primer tema, «Despedida».

«Despedida» es la mejor carta de presentación que podía ofrecer la gallega.

Sabela, concursante de la última edición de Operación Triunfo, ha adelantado a sus compañeros por la derecha con «Despedida«, su single de presentación. A pesar de la estructura difusa que presenta el tema, más propia de una intro que de un primer single, Sabela nos ha conquistado por completo gracias a su sonido pseudo-experimental y demostrando tener mejor gusto que muchos de sus compañeros. «Despedida», canción encargada de abrir su primer EP titulado de manera homónima, no es un tema radiable, pero sí la mejor carta de presentación que podía ofrecer la gallega.

Sabela parece haber entendido bastante bien cómo funciona la burbuja de OT, librándose de las excentricidades y dejando reposar su imagen durante algunos meses. El distanciamiento de eventos y alfombras rojas, sorprendentemente, está bastante presente en «Despedida» pues, como decíamos, no es un single compuesto para las radios. Sabela sabe que debutar entre los 100 temas más populares del país es difícil y que no existe una fórmula para asegurar la entrada en lista. Por ello, mientras sus compañeros intentan repetir el éxito de «Ya No Quiero Na» o «Teléfono», ella va más encaminada a «Un Nuevo Lugar«. La estrategia, desde luego, es acertada.

«Despedida» es un tema bastante atmosférico, en parte experimental. Un tema que fluye de manera envidiable y donde la voz de Sabela es todo un acierto. Su carácter in crescendo crea en el oyente cierta necesidad de escuchar en tema en bucle gracias a la rebelión que presenta su producción pasado el ecuador del tema. Su vídeo, sin embargo, no corre la misma suerte. Las ideas están claras al igual que los elementos que componen este vídeo. Lamentablemente, no está bien ejecutado. Todo queda demasiado plástico e inverosimil. Demasiado forzado para aparentar un aura independiente.

La cantante ha dado, al menos con nosotros, en el centro de la diana. Si hace dos semanas teníamos cero interés en lo que publicase la gallega, ahora estamos impacientes por ver qué nos ofrece el próximo 29 de noviembre.

Entrevista María Isabel: «No me obsesiona la idea de ganar Tu Cara Me Suena»

Hablamos con María Isabel sobre «Tu Cara Me Suena», «Flamenkita», sus antiguos álbumes o la polémica gala de los premios 40.

Algo nervioso ante la presencia (telefónica) de parte de la realeza musical andaluza, me siento a hablar con María Isabel I de Ayamonte unos minutos. Hay tiempo para hablar de sus antiguos álbumes, de sus nuevas canciones, de la polémica gala de Los 40 Music Awards, de “Tu Cara Me Suena” y de todo lo que está por llegar.

Cuatro álbumes de estudio, dos bandas sonoras. Los tres primeros álbumes (“Antes Muerta Que Sencilla”, “Número 2” y “Capricornio”) ocurren en tan solo unos años, de manera muy rápida. ¿De qué era guardas un mejor recuerdo?

Realmente, de los tres. Cada uno tiene lo suyo y cada vez que lanzaba un disco era increíble. Hacía la gira y todo. De los tres guardo un buen recuerdo. El primero sí fue más “de sopetón”. Fue más locura.

El público sigue pidiendo “Antes Muerta Que Sencilla” en tus conciertos, que se ha convertido en un himno generacional. ¿Qué opinas al respecto?

Nada, yo encantada. Me encanta.

¿Alguna canción específica que rescates y vuelvas a escuchar de esos tres álbumes? Incluyendo también “Ángeles S.A.”.

“Toma Que Dale”

El cuarto álbum (“Yo Decido”) no terminó de calar en el público a diferencia de esta nueva etapa, que está siendo quizás mucho más ambiciosa. ¿Crees que se debe a algo específico?

Ese es el quinto. En ese álbum no estaba haciendo la música que quería ni nada, con lo cual yo proyectaba lo que sentía en ese momento. Yo no estaba ni segura ni nada de lo que estaba haciendo, por eso no funcionó.

Entonces, no era el momento para hacer el comeback.

Exacto.

En 2016, con la canción “La Vida Solo Es Una”, intentas representar a España en Eurovisión. Intuyo que tampoco era el momento, ¿no?

Exacto. Lo mismo.

¿Lo volverías a intentar con un tema como “Tu Mirada” o “Flamekinta”?

No, ahora mismo no. Ahora mi carrera musical está centrada en la música. No lo descarto. El día de mañana no lo sé, pero de momento estoy centrada en otra cosa.

Tus nuevas canciones introducen una nueva era, quizás la más ambiciosa que hayamos visto en tu carrera. ¿Cómo nacen “Tu Mirada” y “Flamekita”?

“Tu Mirada” está compuesta por mí y por un compositor cubano. Tenía ganas de lanzar esta canción ya que mostraba a la María Isabel actual sin dejar de perder mi esencia a nivel de imagen y de todo. Ya soy una mujer, no es lo mismo que una niña. Tenía ganas porque me encontraba con seguridad con todo, buscando la mejor forma de hacer una canción como “Tu Mirada” y ya después con “Flamenkita”, que es la canción que siempre soñé con sacar.

Son piezas urbanas con toques aflamencados. ¿Algún referente en esta nueva era?

Yo. Yo misma, pero con sonidos actualizados. La María Isabel de pequeña pero con sonidos actualizados y letra adulta. Ahora fusiono todo un poco: rap, flamenco, reggaetón… todo.

Yo en “Tu Mirada” notaba algo muy Karol G.

Quizás te recuerda porque salgo con una coleta en el videoclip.

No, no. Me refiero a lo musical.

Pero “Tu Mirada” no es un reggaetón duro. Es más un pop urbano.

En cuanto al streaming, parece estar premiando más a los artistas de singles que a los artistas de álbumes. ¿Buscas el formato álbum con estos temas o tan solo la publicación de singles eventualmente?

Ahora estoy centrada en canción tras canción. Si viene un disco, un EP… eso aún no lo sé. En caso de que sí, “Tu Mirada” y “Flamenkita” formarían parte de este.

En esta nueva era vuelves con una imagen mucho más empoderada. Echando la vista atrás, veo que has creado -quizás de manera inconsciente- bastantes himnos feministas a lo largo de estos quince años.

Pues sí. Ya empecé con “De Qué Vas”, “Antes Muerta Que Sencilla” y de todo un poquito (risas). Siempre he sido así. A mí me encanta apoyar a las mujeres y que estas se sientan lo mejor, lo máximo. No lo superior, sino lo bueno. Poder mirarte al espejo y decir “aquí estoy yo”. Saber dominar ciertas situaciones. No sé, es un poco es eso. Eso es lo que reflejan mis canciones. Aunque esto no quiere decir que todo lo que vaya a sacar hable solamente de eso.

Vamos ahora con “Tu Cara Me Suena”. ¿Qué crees que te puede aportar el programa?

Experiencia y diversión. Superar retos y superarme a mí misma.

¿Qué crees que puedes aportar tú al programa?

Pues diversión también. Demostrar lo que soy capaz de hacer. Y bueno, habrá galas que saldrán mejor y otras que saldrán peor seguramente (risas). Pero sí que quiero currármelo y superarme a mí misma. Creo que la gente se lo va a pasar bien conmigo.

¿A quién te gustaría imitar en el concurso?

Lo que me echen. Lo que me toque. No tengo ninguna preferencia.

Ya te vimos imitando a Rihanna hace un par de años. ¿Te ves como posible ganadora del formato?

No es que me obsesione la idea. Yo ganando alguna gala para poder donar a una protectora, al cáncer, alzheimer [NdE: María Isabel dijo «alzheimer», no «alsáimer«]… Yo creo que con eso ya sería increíble. Si gano, pues mejor. Pero estar en “Tu Cara Me Suena” ya es un premio.

¿Algún compañero que veas con muchas posibilidades?

A todos. Si están ahí, cualquiera puede ganar.

¿Habéis empezado el rodaje del concurso?

No.

Vamos ahora con preguntas más alternativas. Verte como una novata en Twitter está siendo bastante divertido y todo un regalo para los fans, pues estás interactuando con ellos de manera diaria. Con algún que otro gazapo, pero solventado bastante bien. ¿Te encuentras ya más suelta en la plataforma?

Sí. Al fin y al cabo soy yo, no sé. Hay veces que no entiendo… Entiendo el humor de Twitter pero no entiendo muchas palabras, entonces yo lo pregunto y ya está.

También has estado en la gala de Los 40 Music Awards. ¿Cómo fue?

Pues increíble. Me encantó. disfruté muchísimo. Al fin y al cabo era música. Fue una gala increíble, en serio. Lo disfruté muchísimo y lo viví al máximo.

¿Te ves nominada de cara a los próximos años?

Ojalá.

En Los 40 tienden a ser “un poco raros” a la hora de pinchar canciones y posicionar en lista. ¿Crees que pincharán “Flamenkita” próximamente?

Sería un regalo bastante grande. Pero si no, pues se seguirá haciendo música. Alguna seguro que cae.

Te vimos muy bien acompañada por otros artistas en la gala. ¿Alguno con el que te gustaría colaborar?

Allí la mayoría son muy buenos, así que con cualquiera de ellos.

A mí me encantaría que colaborases con Ana Mena.

Molaría. Además somo las dos del rollo, así que molaría. Y me llevo muy bien con ella.

También he visto por Twitter que tienes ganas de ir a “La Resistencia”.

Me encantaría. Soy fan de David Broncano.

¿Alguna entrevista que te haya gustado del programa?

La de Anitta.

Para finalizar, en The Rubiew hablamos sobre música y cine. Siempre que hacemos una entrevista pedimos que nos recomienden una canción, un álbum y una película. No valen ninguno de tus singles, ninguno de tus álbumes ni “Ángeles S.A.”.

Una canción, “Halo” de Beyoncé. Como álbum, cualquiera de Bob Marley. Y como película, “Pearl Harbor”.

Entrevista Paco Cabezas: «En España hay una ilusión muy grande por el cine»

Hablamos sobre «Adiós», Anna Kendrick, Natalia de Molina, Sam Rockwell y Ryan Gosling con el director.

Sábado, 14:00. Nos encontramos con Paco Cabezas en el restaurante Abades tras la lectura del palmarés del Festival de Cine Europeo de Sevilla. “Adiós”, su vuelta al cine español, se proyectaba a las 9:00 en una de las salas de Nervión con una grata sorpresa: el director no podía conciliar el sueño y había escapado de su hotel para ver que todo estaba en orden y, de paso, introducir la película a los acreditados que nos encontrábamos en Cinesur, además de deleitarnos con una peculiar anécdota relacionada con el Guadalpark.

Mientras pseudo-almorzaba una tapa de salmorejo -parece que echa de menos la gastronomía española-, Paco se sienta con nosotros y nos habla de “Adiós”, de la experiencia que ha supuesto para él grabar en Las Tres Mil Viviendas, de Anna Kendrick, de Nicolas Cage o de sus proyectos futuros.

¿Qué va a encontrar el espectador cuando acuda a ver “Adiós?

Yo creo que va a encontrar una película que no le va a decepcionar. Una de las cosas que le pasa al cine español es que a veces no da lo que promete. A otro cine español de hace años. Vas a una película de terror y no te da miedo. Vas a una película de acción y no tiene suficiente acción. Te aburre. “Adiós” es una película que da acción, que te da corazón, que te da emoción… Yo creo que eso, al final, es lo que busca uno cuando va al cine. Sobre todo, lo que me gustaría decirle al público es que no se asuste demasiado ni piense que va a ser una película muy triste, ya que creo que esta película es una viaje de la oscuridad hacia la luz. Como la canción de Rosalía, que es un viaje hacia la luz. Es una película sobre aprender a decir adiós, aprender a aceptar el dolor y cerrar una puerta para abrir otras puertas. Me parece una reflexión bonita sobre la pérdida.

Tras ocho años dirigiendo de manera íntegra en inglés, ¿cuál ha sido la mayor dificultad a la hora de volver a dirigir en español?

Que no se me entendía (risas). Es broma. Es muy gracioso porque mi obsesión era que el acento andaluz estuviera en la película de manera radical. Me ha parecido gracioso porque, viendo a lo mejor otras películas andaluzas, que han tenido personajes que hablaban totalmente en castellano, yo decía “pero no tiene sentido”.

Menos en un espacio como las Tres Mil Viviendas, ¿no?

Claro. En las Tres Mil Viviendas, si Mario Casas hubiera salido un acento gallego, uno piensa “¿pero este hombre de dónde dale?”. Era una obsesión que todo este acento estuviera ahí marcado. Luego hemos hecho un trabajo de sonido muy trabajado. Para que no nos pasara como en la primera temporada de La Peste -aunque ahora en la segunda parece que las cosas están mejor-, hemos puesto la película a gente de Barcelona, a gente de Galicia, a gente de Madrid… Hemos trabajado cada diálogo para que se entendiera.

Eso es lo que le ocurrió a “Roma” el pasado año. Hubo mucha crítica por el tema de los subtítulos y demás ya que la gente no la entendía.

Bueno, yo creo que para esto no hace falta subtítulos.

¿Cuáles son las diferencias más notables entre rodar en España y en Estados Unidos?

Hablar en inglés (risas). Si te soy sincero, hay lugares muy diferentes. He rodado en Toronto, Budapest, Los Ángeles, Alabama… En todos ellos se repiten las figuras: la persona que hace el arte, la personas que se ocupa de las localizaciones… Te acabas haciendo amigo muy rápido de todos ellos. Es casi como un “Gran Hermano” y se crean lazos muy bonitos. Pero en España hay una ilusión muy grande por el cine y eso se nota mucho. Los americanos están cansados de rodar y cansados de pedir permiso. Aquí llegas y la gente está deseando que se haga cine y lo acoge de una manera muy bonita. Eso marca muchísimo la diferencia.

¿Es más fácil dirigir a Natalia de Molina o a Anna Kendrick? Yo soy muy fan de “Mr. Right”, es una película que rescato muchísimo.

Muchas gracias. A mí me gusta mucho también. Natalia de Molina y Anna Kendrick son actrices muy diferentes. Natalia de Molina es una actriz muy racial, muy de raíz, muy de entrañas. Ella no es para nada racional. Ella es muy inteligente, pero cuando interpreta no es racional sino que se mueve por instinto. Es como un animal. Como director tienes que ir guiándola en todo lo posible dentro de esa irracionalidad. Ella dice “no sé cómo lo he hecho, ¿crees que está bien?” y yo le sigo “estás maravillosa, ha sido increíble”. Anna Kendrick es lo contrario. Anna Kendrick es como Victoria Abril: es un súper ordenador. Es una de las actrices más racionales que conozco. Controla cada músculo de su cuerpo y de su cara. Ella sabe exactamente lo que está dando y cómo puede mejorarlo en cada toma. Era todo lo contrario de Sam Rockwell, por lo que fue un trabajo muy interesante para mí (risas).

Hoy, antes de la proyección de la película, has dicho que “Adiós” no podría haberse grabado en un espacio que no fuese Las Tres Mil Viviendas. ¿Cómo ha sido el rodaje allí?

Maravilloso. Íbamos con respeto. Entramos con mucho respeto y con amor, explicando a la gente de las Tres Mil Viviendas que queríamos una película de barrio. Una película con personajes de barrio. Nos hemos encontrado con gente que nos ha acogido. Hay una secuencia en la que aparece la policía deteniendo a Mario frente al edificio de Camarón y estaba allí todas las Tres Mil Viviendas desde los balcones, en torno a unas cinco mil personas mirando. Decíamos: “bueno, al fin y al cabo están deteniendo a alguien, podría estar todo el barrio mirando”. Cuando terminamos de rodar la secuencia y dije “corten”, hubo un silencio y de repente todo el barrio se puso a aplaudir al unísono, vino el patriarca a abrazarnos, familias a abrazarnos… Ha sido uno de los momentos más bonitos de toda mi vida, el pensar que el cine une a la gente y que algo tan pequeñito como una película puede abrir una puerta a un barrio y que, a partir de ahora, vengan millones de películas que se rueden en las Tres Mil Viviendas.

Ahora llegan unas preguntas más absurdas. Si Nicolas Cage hubiese aparecido en “Adiós”, ¿cuál hubiese sido su personaje?

Yo creo que hubiese sido el policía corrupto (me río). Tiene ese pelazo. Nicolas Cage es uno de los actores más intensos que conozco. Probablemente hubiese sido un buen Juan (Mario Casas). Hubiera sido un buen protagonista.

Yo lo veo como padre de Juan.

Quizás, probablemente. Nicolas Cage es un tío con el que volveré a trabajar probablemente cuando encuentre la película apropiada. Nicolas Cage es un propio género. Él se interpreta dentro de su propio género. Ha creado el “cageismo”, entonces cuando encuentre una película de Nicolas Cage, volveré a hacer una película con él.

Aunque he leído que no guardas muy bien recuerdo de la película que grabaste con él (“Tokarev”).

No por él sino por las circunstancias.

¿Y cuál es tu película favorita de tu filmografía?

Probablemente “Adiós” y “Mr. Right”. A esta última le guardo muchísimo cariño, pues son películas totalmente diferentes y difinen mi carrera en algún sentido, pues intento no encasillarme en ningún momento. Nadie diría que el mismo director de “Adiós” grabó “Mr. Right”.

He visto que tu próximo proyecto, “A Cat In A Box”, vuelve a ser estadounidense.

Bueno, eso es un guion que estoy intentando hacer con Sam Rockwell. No sabemos si saldrá adelante. Es muy rollo “The Wire”. Es una película de robos. Ahora mismo estoy rodando “Penny Dreadful: City of Angels”, el spin-off de “Penny Dreadful” que ocurre en los años 30 en Los Ángeles. Acabo de rodar los dos primeros episodios con John Logan, el creador, y ahora grabo los dos últimos en enero y febrero. Me lo estoy pasando como un enano.

Para finalizar, como en The Rubiew hablamos tanto de cine como de música, siempre acabamos las entrevistas pidiendo que nos recomienden una película, un álbum y una canción.

Okay. El Hoyo” es una película que me ha gustado mucho. Probablemente la mejor película de este año junto con la mía (risas). Hay un álbum de un grupo que se llama Dead Man’s Bones, que es Ryan Gosling, el actor, que hizo un grupo de música con un hermano suyo. Sólo sacaron ese álbum.

Eso no lo sabía yo.

Pues tienes que escucharlo porque es maravilloso. Es un álbum de Halloween y es solamente él cantando con un coro de niños. Las canciones hablan de zombies y de hombres lobos. Me encantan. Es un rollo muy Arcade Fire. Y como canción, “Después” de Los Delincuentes. A mí Los Delinqüentes me gusta mucho, me encanta Kiko Veneno. Esa canción además habla de volver al sur, de volver a la esencia… Conecta mucho con donde me encuentro yo ahora miso, que es volver a comer jamón.

Crítica: Adiós | Una película cargada de adrenalina (Especial SEFF 2019)

El SEFF cerró de manera espectacular.

«Adiós» fue la película encargada de cerrar el Festival de Cine Europeo de Sevilla el pasado sábado. No hay que ser un genio para darse cuenta de que no se trataba de mera casualidad, pues la cinta dirigida por Paco Cabezas ya tuvo una buena acogida en el Festival de San Sebastián el pasado mes de septiembre, además de estar ambientada en el barrio de Las Tres Mil Viviendas de Sevilla. «Adiós» es una película cargada de emoción y sentimiento que se envuelve de manera gloriosa en una atmósfera muy propia del thriller sin perder un ápice de identidad en sus dos horas de metraje. Una película que ofrece aún más de lo que promete y que apunta a ser una de las grandes triunfadoras en taquilla durante las próximas semanas.

«Adiós» parte de una premisa bastante sencilla. Juan (Mario Casas) y Triana (Natalia de Molina), una pareja que vive en Las Tres Mil Viviendas, han perdido a su hija en un accidente de coche. Juan, cabeza de familia del clan de Los Santos, intentará por todos los medios averiguar quién ha sido el culpable del fallecimiento de Estrella, siempre con la ayuda de Triana y Eli, la inspectora encargada del caso. Como veis, es una historia que, si extrapolásemos, está muy presente tanto en el cine español como en el internacional. Incluso diríamos que en el cine de sobremesa de Antena 3 de los fines de semana. Pero Cabezas ha sido muy astuto y se ha desvinculado del thriller impersonal, dotándolo de emoción y rodeándose de un equipo que eleva esta cinta a una categoría muy superior. Porque «Adiós» es una película de barrio que no te deja indiferente. Una película que ofrece una experiencia cinematográfica cargada de adrenalina y con la que es imposible incluso pestañear.

Parte de este éxito se debe a la soberbia interpretación que ofrecen sus dos protagonistas. Mario Casas es, quizás, la mayor sorpresa de esta película. Si bien es cierto que el actor lucha día a día para eliminar la etiqueta que le supuso «SMS» o «El Barco» -donde actuar parecía no ser una de sus mejores virtudes-, desde hace más de un lustro está sabiendo elegir con muy buen gusto sus nuevos proyectos. Con «Contratiempo» o «El Fotógrafo de Mauthausen» supo conquistar al público y a la crítica especializada, siguiendo «Adiós» la estela de las buenas interpretaciones por parte del gallego. Contaba Casas en una entrevista que ha aprendido el acento de Las Tres Mil Viviendas a través de vídeos de «Callejeros» y manteniendo múltiples conversaciones con el protagonista de estos vídeos. Indudablemente, no ha podido tener un mejor coach. Después está Natalia de Molina, una fiera de la interpretación que es capaz de emocionar al espectador sin apenas decir una palabra. Una de esas actrices que llenan la pantalla en cada escena con una facilidad inhumana. Ambos están muy bien acompañados por Vicente Romero, Ruth Díaz, Carlos Bardem y Mona Martínez (atención, que sonará fuerte en temporada de premios).

Los espacios están bien utilizados, dando una visión de Las Tres Mil Viviendas que pocas veces hemos podido ver en pantalla. Cabezas parece haber aprendido mucho sobre la acción en Estados Unidos y todo ha quedado plasmado en «Adiós». Cada persecución, cada tiroteo… «Adiós» es cine palomitero, pero tratado con muy buen gusto. La película se ha permitido explorar los sentimientos de todos sus personajes, mostrando la evolución psicológica de cada uno de ellos y evitando así caer en personajes planos cuyas muertes «nos la hubiesen sudado«. En esta película hay mucha emoción, al igual que hay mucha esperanza. «Adiós» es, al fin y al cabo, un viaje hacia la luz que hará que salgas de la sala de cine con una sonrisa de oreja a oreja. Paco Cabezas sabe de sobra lo que quiere el espectador.

Sin lugar a dudas, «Adiós» apunta a ser una de las grandes triunfadoras en la taquilla de las próximas semanas -aunque Elsa y Anna le impedirán debutar en primera posición-. Los ingredientes, desde luego, los tiene.

«Adiós» llega a las salas de cine este viernes 22 de noviembre.

Nota: 7,8 / 10

Crítica: Tommaso | Willem Dafoe siempre está sobresaliente (Especial SEFF 2019)

Una de las claras favoritas para ganar el Giraldillo de Oro

Seguimos con nuestra cobertura del Festival de Cine Europeo de Sevilla. Ahora es el turno de hablar de «Tommaso«, una película que se ha colado en la Sección Oficial del festival y que cuenta con numerosas papeletas para alzarse como ganadora del Giraldillo de Oro en apenas unos días. Además, «Tommaso» es una de las cintas que más revuelo y expectativas ha levantado a lo largo de esta semana gracias sus dos grandes nombres: el italiano Abel Ferrara ha dirigido la película y ni más ni menos que Willem Dafoe se encarga de protagonizarla. Poco podía salir mal con elementos tan potentes como estos.

El director se ha abierto en canal para la elaboración de esta película, pues «Tommaso» no deja de ser una película muy íntima y sincera que no puede estar mejor llevada a cabo. Dafoe hace un trabajo magistral adentrándose en el personaje estadounidense que protagoniza este drama, cargado de delirios y eventos que conducen a lugares que el espectador no espera. La técnica es sencilla pero muy efectiva: adentrarnos de lleno en la película a través de su largo periodo de presentación y dejar que esta nos lleve allá donde el director quiera. Cuando se cuenta con un actor de la talla de Dafoe, este laborioso trabajo se vuelve sumamente fácil. Cada palabra, cada gesto y cada movimiento pertenecen plenamente al personaje, pues la versatilidad del actor de «The Florida Project» parece no tener límite alguno.

No es un cine fácil de digerir, pues como tiende a ocurrir en aquellas películas presentadas en festivales quizás no tan grandes como este, toda la trama ocurre de manera pausada y algo desconcertante. Aún así, esta sesión de terapia que nos ofrece Ferrara brilla con luz propia. La narración de las inseguridades del personaje principal, las relaciones establecidas con su peculiar familia, la visión que aporta de la historia a través de la mirada de una niña, las excentricidades del artista e incluso los choques culturales que llega a plasmar «Tommaso» hacen de ella una cinta más que digna para ocupar la primera posición del palmarés.

«Tommaso» parece haber recopilado todos los elementos para que tu película triunfe en un festival. Alcohol, sexo, desnudos, planos de cinco minutos de un hombre caminando, ritmo pausado y mucho dramatismo en cada una de sus escenas, permitiéndose de vez en cuando coquetear de manera muy leve con la comedia -siempre un humor muy negro-. Una pena que no alcance un nivel de épica que haga que destaque por encima de sus contrincantes. Aún así, más que recomendada y un acierto para el festival.

Nota: 6,5 / 10

Crítica: Gloria Mundi | Pura dormidina (Especial SEFF 2019)

Pocas películas menos excitantes hemos visto.

Seguimos haciendo nuestra (quizás demasiado ácida) cobertura del Festival de Cine Euopeo de Sevilla. Es el turno de «Gloria Mundi«, una película que intenta abarcar demasiado quedando finalmente en tierra de nadie. Da cierta rabia que un director con tantísimo recorrido como Robert Guédiguian haya desperdiciado una oportunidad tan buena como esta, narrando absolutamente nada relevante y haciendo de «Gloria Mundi» pura dormidina. Poco hay rescatable en esta retahíla de desgracias familiares. Indudablemente, una de las mayores decepciones de la Sección Oficial del SEFF 2019.

Su premisa es bastante interesante, con una familia de clase media-baja reuniéndose en Marsella con motivo del nacimiento de Gloria. La fiebre de alegría termina a los escasos minutos con un golpe de realidad bastante agresivo en todos sus personajes: desempleo, pobreza, desamor, enemistad… Indudablemente, «Gloria Mundi» presenta una infinidad de posibilidades pero, lamentablemente, toma un camino nada convincente. «Gloria Mundi» es demasiado absurda y extrema para ser tomada en serio, siendo imposible poder llegar a sentir empatía por sus personajes y, por qué no, provocando un rechazo enorme hacia cada uno de ellos. Podría haber sido una crítica social fascinante pero, como decíamos, todo queda en un somnífero para el espectador.

Y es que no hay nada que rescatar. Ni su dirección es convincente, ni su guion es interesante, ni sus interpretaciones son capaces de elevar este «Gloria Mundi» a algo medianamente consumible. Es el claro ejemplo de una buena idea mal ejecutada. Una película que no toma demasiados riesgos y acaba resultando plana, monótona y excesivamente aburrida.

Y poco más vamos a decir de ella, que nos denuncian y tenemos mucha tarea pendiente.

Nota: zzZZ / 10

Crítica: Intemperie | Un buen entretenimiento palomitero (Especial SEFF 2019)

Jaime Lopez demuestra ser una de las grandes promesas del cine español.

Benito Zambrano, director sevillano, describía «Intemperie» como todo un regalo. Razón no le falta, pues esta adaptación cinematográfica de la novela homónima escrita por Jesús Carrasco parece haber sido una experiencia inolvidable para todo el equipo tras la película. También ha sido un caramelo para los asistentes del Festival de Cine Europeo de Sevilla pues, entre tantas cintas sobre Palestina, personas con inestabilidad emocional y múltiples prácticas de aborto, adentrarse en un pseudo-western bastante palomitero supone todo un desahogo para aquellos que llevan una decena de cintas en apenas un par de días. Zambrano puede estar tranquilo, pues grabar en Andalucía en pleno mes de julio y agosto ha tenido su recompensa.

«Intemperie» es una película, en principio, bastante sencilla. La cinta narra la historia de un chico que vive atrapado en una pequeña aldea liderada por un capataz y que desea huir a la ciudad. Un «Vaiana» de toda la vida, básicamente. En el camino conocerá a un hombre con el cual llegará a establecer una especie de relación padre-hijo de lo más emotiva y con el cual escapará de aquello que le obliga a regresar a su cueva. Tal y como puedes ver, nada es complejo. Incluso a la hora de presentar el marco histórico, Zambrano evita entrar en detalles, obviando todo contenido político que este pueda llevar consigo. La misión de esta película es meramente la de contar una historia y enamorar al espectador a través de esos paisajes, cuya suma importancia lo convierten en un personaje más de esta historia.

Jaime López se posiciona a pasos agigantados como una de las grandes promesas del cine español. Si ya en «Techo y Comida» fue capaz de quitarle cierto protagonismo a una descomunal Natalia de Molina, en «Intemperie» ha conseguido dejar a Luis Tosar incluso en un segundo plano. Comentaba López en la rueda de prensa lo muchísimo que ha aprendido con este personaje, con el equipo de «Intemperie» y con estos poquísimos años de experiencia cinematográfica (no deja de ser un adolescente a día de hoy). Todo el trabajo ha quedado reflejado en estos 90 minutos y, desde aquí, solo podemos aplaudir la gran interpretación que nos ha ofrecido. Obviamente, Luis Tosar vuelve a estar increíble, pues a día de hoy es uno de esos actores que nunca fallan, independientemente del tono que tome la película.

Quizás la única pega que hemos encontrado en «Intemperie» es la obviedad que presenta en múltiples ocasiones su guion. Zambrano ha sido bastante contundente con sus palabras, siendo consciente de que «el arte va a buscar la mierda del ser humano». Lamentablemente, todo ha quedado muy poco sutil debido a lo planos que son algunos de sus personajes. Tener un villano malo-malísimo no es divertido si uno no es capaz de empatizar con el personaje. Hay que dar giros, motivos, mostrar cercanía e incluso desconcertar momentáneamente al espectador. Hacer que nos planteemos moralmente nuestras sensaciones con los personajes de esta historia y, por ende, hacer que nos llevemos la película a casa y reflexionamos durante días. Aquí «Intemperie» se pasa de simple, más aún cuando vemos la típica escena emotiva en la que uno de los personajes fallece y dice «solo… te quiero… decir… una cosa… cui… cui… cuídate… mucho… AHH… (D.E.P.)«.

Aún así, «Intemperie» no deja de ser una película más que disfrutable, con unos escenarios que hacen que la película sea toda una delicia y que hará que estos 90 minutos pasen en un abrir y cerrar de ojos.

La película se estrena el 22 de noviembre en salas de cine.

Nota: 6,25 / 10

Crítica: De Repente, El Paraíso | Gráfico para saber si disfrutarás la película (Especial SEFF 2019)

The Rubiew reinventa el concepto de crítica cinematográfica.

Palestina. Uno de los temas favoritos por los organizadores de festivales junto con el de la chica negra de 6 años que debe caminar 20 km diarios para llegar a la escuela. «De Repente, El Paraíso» ha jugado la carta más eficaz para aparecer en el mayor número de festivales posibles, aunque su resultado no pueda ser menos satisfactorio. Y es que, tal y como hicimos con nuestra reseña de «Le Parc» hace unos años, en The Rubiew vamos a rediseñar el concepto de crítica ofreciendo, de modo visual, tus posibilidades con esta cinta. Porque para leer una sinopsis o una crítica a nivel usuario o profesional, uno entra en FilmAffinity o en iMDB. En The Rubiew os vamos a decir, gráficamente, si esta película está hecha para vosotros y vuestro disfrute.

Esta comedia nada graciosa nos ha dejado enormemente fríos. Tanto es así que hemos perdido por completo la noción del tiempo. Cada extracto de veinte minutos sabía a dos horas de metraje, creyendo uno que lleva tres semanas encerrado en la sala 11 1 de Cinesur. Y es que, a pesar de que la premisa de esta cinta pueda ser incluso entretenida, mezclando elementos muy propios de Woody Allen y creando una extrapolación de situaciones político-culturales bastante prometedoras, «It Must Be Heaven» acaba resultando todo un despropósito. Pero vamos a ser buenos y vamos a dejar nuestro shade a un lado. Para saber si debes ver o no esta película, hemos realizado un precioso diagrama de flujo.

Si te hace gracia ver a cuatro policías en patinete eléctrico, te encantará esta película. Si, por el contrario, tu humor va más allá de José Mota, el SEFF tiene mejores películas que ofrecerte.

Nota: sin calificar.

Crítica: Madre | Una de las grandes películas españolas del año (Especial SEFF 2019)

El SEFF no ha podido comenzar con mejor pie.

La decimosexta edición del Festival de Cine Europeo de Sevilla no podía haber tenido una mejor película inaugural. Y es que «Madre«, cuyo cortometraje estuvo nominado en la última edición de los premios Oscar, es una película soberbia, magistralmente construida y que posee una dirección de infarto. Roberto Sorogoyen ha jugado a ser Terrence Malick y ha conseguido una película que roza la perfección. Así es «Madre», quizás la mejor película española del año.

En primer lugar, hay que tener claro que el cortometraje y el largometraje no son exactamente iguales. Sin ir más lejos, el cortometraje compone en su totalidad los primeros quince minutos de la película, aunque este posee un tempo y un tono completamente diferentes. Este comienzo es totalmente frenético, de esos que te impiden pestañear un solo segundo y donde uno queda atrapado gracias a esa atmósfera pseudo-thriller que posee. Pero, cuando la película da un salto de una década terminado el corto, todo es diferente. «Madre» es ahora una película pausada y sumamente íntima, donde se realiza un estudio psicológico de la protagonista restando importancia a los hechos que la han llevado a ser como es. Si vais buscando el thriller facilón, aprovechad el fin de semana y las películas que Antena 3 emite en la sobremesa. «Madre» ha ido mucho más allá.

La película es una delicia audiovisual, proyectando Sorogoyen cierta sensación incomodidad en el espectador a través de sus planos infinitamente largos, los espacios abiertos y la coreografía que siguen los actores, totalmente ideada para mostrar la soledad o la agonía que forman los pilares de esta pieza. Por otro lado tenemos a Marta Nieto que, aún sin haber visto a Belén Cuesta en «La Trinchera Infinita», primera en apuestas a día de hoy, podemos decir que nos ha otorgado la mejor interpretación de este año. Nieto es de esas actrices que se sumerge de lleno en su personaje y hace que todo parezca fácil, aunque la dificultad del papel que desarrolla sea altísima. Indudablemente, Marta Nieto se ha convertido en una de esas actrices a tener en cuenta y a lo que no vamos a perderle la pista en los próximos años.

Todo es enormemente evocador en esta película. Su guion, uno de los grandes aciertos de este metraje, está ideado para desorientar al espectador cada cierto tiempo, sin saber bien el rumbo que quiere tomar la cinta. Y es que Rodrigo Sorogoyen, quien también escribe esta «Madre», ha sabido dar el protagonismo a los issues de la protagonista. Algo arriesgado, pues la curiosidad por saber qué ha pasado con su hijo está en el espectador instaurada desde la primera visualización del corto. Pero, a medida que avanza la historia, descubrimos que no es relevante, pues «Madre» está volcada exclusivamente en su protagonista y sus problemas internos.

«Madre» es una obra maestra que no puedes dejar pasar. La película será proyectada en el Festival de Cine Europeo de Sevilla durante los próximos días y llegará a las salas de cine el próximo 15 de noviembre.

Ahora aprovechamos y nos hacemos un poco de promo. Si queréis estar al día con todo lo que ocurre en el SEFF, os recomendamos que nos sigáis en nuestras redes sociales.

Nota: 8,5/10